Análise: Batman - Grant Morrison - Volumes 4, 5 e 6

Batman - Grant Morrison - Volumes 4, 5 e 6, de Grant Morrison, Tony Daniel, Lee Garbett, Frank Quitely, Philip Tan, Cameron Stewart, Scott Kolins, Andy Kubert, David Finch, Andy Clarke e Chris Sprouse 

A Devir tem continuado ativa na edição de livros dedicados a Batman e, em particular, à saga desenvolvida por Grant Morrison. Hoje falo-vos dos três volumes mais recentes desta famosa run do autor.

E estes números 4, 5 e 6 que hoje vos trago representam uma fase particularmente ambiciosa da longa saga que o autor construiu para o Cavaleiro das Trevas. Depois dos acontecimentos de Batman R.I.P. e da aparente morte de Bruce Wayne em Crise Final, que fecham o 4º volume da saga, Morrison afasta-se deliberadamente da abordagem tradicional ao mito de Batman para explorar questões de legado, identidade e continuidade. O resultado é uma obra que continua a distinguir-se pela enorme densidade conceptual e pela capacidade de transformar décadas de histórias dispersas numa narrativa surpreendentemente unificada. Quer dizer, mais ou menos unificada. Porque embora haja um esforço hercúleo do autor em atar muitas das pontas soltas da célebre franquia, isso também acaba por ser feito à custa de uma densidade narrativa que, por vezes, pode ser assoberbante e desconexa. Mas já lá irei.

Antes disso, reconheço que grande parte do fascínio desta obra de Morrison reside precisamente na forma como o argumentista parece encarar Batman não como um único homem, mas como uma ideia, um conceito capaz de sobreviver à ausência do seu criador. Um homem pode morrer sem que a sua ideia morra, certo? E a substituição temporária de Bruce Wayne por Dick Grayson dá força a este ponto, revelando-se uma opção corajosa. Em vez de procurar um mero imitador de Batman, Grant Morrison explora como diferentes personalidades podem encarnar o mesmo símbolo sem que este perca a sua força.

Esta nova dinâmica ganha particular relevância através da relação entre Dick Grayson e Damian Wayne. Morrison já havia introduzido Damian nos primeiros volumes, mas é aqui que, quanto a mim, a personagem encontra verdadeiramente o seu espaço. A inversão dos papéis clássicos da dupla Batman e Robin, com um Batman mais leve e acessível a contracenar com um Robin agressivo, arrogante e imprevisível, dá-nos alguns dos melhores momentos dos três volumes.

Ao mesmo tempo, Grant Morrison continua a demonstrar uma impressionante capacidade para expandir o universo da série. Talvez até em demasia, diria eu. Gotham deixa de ser apenas uma cidade dominada pelo crime e transforma-se num palco onde coexistem conspirações seculares, organizações internacionais, vilões extravagantes e até mesmo algumas reflexões metafísicas sobre o próprio conceito de heroísmo. É um guisado com muitos ingredientes. 

Por esse motivo, nestes três volumes volta a consolidar-se, por um lado, aquela que considero ser a grande virtude da escrita de Morrison em Batman: a criação de um universo rico em camadas. Quase todas as personagens parecem possuir múltiplas dimensões, motivações contraditórias e ligações inesperadas a acontecimentos anteriores. Não existem apenas heróis e vilões. É este grau de complexidade que torna a leitura especialmente estimulante para quem aprecia narrativas mais exigentes.

Por outro lado, essa mesma complexidade constitui também o principal obstáculo da obra. Morrison parece por vezes tão fascinado pelas possibilidades do seu próprio universo que acaba por sacrificar a clareza narrativa. Existem momentos em que as histórias avançam através de associações simbólicas e referências internas que nem sempre produzem uma recompensa emocional proporcional ao esforço exigido ao leitor. Sim, se aquele que me lê procura mergulhar pela primeira vez em Batman, talvez os livros de Grant Morrison não sejam a melhor porta de entrada. Pelo contrário, considero que esta saga se destina bem mais ao fã mais conhecedor de Batman.

Esta sensação torna-se particularmente evidente na enorme quantidade de subtramas que atravessam os três volumes. Conspirações internacionais, identidades secretas, mistérios ligados a várias personagens, o regresso de Bruce Wayne, os planos de organizações criminosas e os conflitos familiares sucedem-se a um ritmo quase vertiginoso. Embora seja admirável a forma como Grant Morrison tenta articular todas estas peças, nem sempre é bem-sucedido.

Na verdade, uma das conclusões a que cheguei durante a leitura destes três livros é que quantidade de subplots nem sempre é qualidade de subplots. Algumas ideias parecem existir porque contribuem para a arquitetura geral do projeto de Morrison, mas não porque sejam verdadeiramente cativantes enquanto histórias autónomas. 

Ainda assim, é impossível não admirar a capacidade do autor para planear histórias a longo prazo. Elementos introduzidos centenas de páginas antes regressam com novo significado, personagens secundárias ganham importância inesperada e referências aparentemente insignificantes revelam afinal uma função precisa dentro do conjunto. E isso é riqueza narrativa, claro.

No plano gráfico, estes três volumes mantêm um nível qualitativo muito elevado. A alternância de artistas continua a conferir diversidade visual à série, mas sem comprometer muito a identidade global do projeto. Há um equilíbrio interessante entre espetacularidade, ação, atmosfera e caracterização das personagens. Sendo talvez injusto sublinhar o trabalho de alguns desenhadores - tendo em conta que todos eles são bons - tenho que referir que apreciei especialmente os contributos de Frank Quitely, pela conhecida originalidade do traço, e de Philip Tan, pela grandiosidade do seu desenho.

Em termos de edição, o trabalho da Devir está bastante bom em todos os livros. As capas são duras, com detalhes a verniz; o papel é brilhante e de bela qualidade; e a edição, impressão e acabamentos também são muito bons. No final do volume 4, há cinco capas alternativas e um texto que procura fazer um ponto de situação da história de Grant Morrison até esse ponto. Já nos volumes 5 e 6, o conteúdo extra ainda se torna mais interessante, com 10 páginas dedicadas a explicar-nos, por texto, o trabalho de prospeção e execução das capas, dos visuais das personagens, do desenho do batmobile, incluindo vários esboços e estudos. Belas edições.

Em suma, os volumes 4, 5 e 6 reforçam aquilo que já me parecia evidente nos livros anteriores: Grant Morrison criou uma das interpretações mais complexas, ambiciosas e intelectualmente estimulantes de Batman alguma vez publicadas. Contudo, também permanece a sensação de que, por vezes, o autor se deixa seduzir em demasia pela complexidade da sua própria construção. Nem todas as subtramas justificam o espaço que ocupam e nem todos os mistérios possuem um desfecho à altura das expectativas criadas. Ainda assim, mesmo quando tropeça nos seus próprios excessos, Morrison continua a oferecer uma visão singular e fascinante de Batman que vale a pena conhecer.

NOTA FINAL (1/10):

8.2

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Fichas técnicas

Batman - Grant Morrison - Volume 4

Autores: Grant Morrison, Tony Daniel e Lee Garbett

Editora: Devir

Páginas: 176, a cores

Encadernação: Capa dura

Formato: 18 x 27 cms

Lançamento: Outubro de 2025

Batman - Grant Morrison - Volume 5

Autores: Grant Morrison, Frank Quitely, Philip Tan e Cameron Stewart,

Editora: Devir

Editora: Devir

Páginas: 152, a cores

Encadernação: Capa dura

Formato: 18 x 27 cms

Lançamento: Fevereiro de 2026

Batman - Grant Morrison - Volume 6

Autores: Grant Morrison, Cameron Stewart, Tony Daniel, Frank Quitely, Scott Kolins, Andy Kubert, David Finch, Andy Clarke e Chris Sprouse 

Editora: Devir

Páginas: 188, a cores

Encadernação: Capa dura

Formato: 18 x 27 cms

Lançamento: Abril de 2026

Análise: Trilogia Shakespeariana

Trilogia Shakespeariana, de Gianni De Luca

Foi no passado mês de Março que as editoras Levoir e A Seita se juntaram para o lançamento de uma obra clássica da banda desenhada italiana, originalmente editada a partir de 1975, que, inexplicavelmente, ainda não se encontrava publicada em Portugal: falo de Trilogia Shakespeariana, de Gianni De Luca, que adapta para banda desenhada três das mais celebradas peças de William Shakespeare: Romeu e Julieta, Hamlet e A Tempestade.

E uma das coisas que tenho que começar por referir é que adaptar para banda desenhada as peças de Shakespeare, que foram originalmente escritas para o teatro e que, portanto, são mais assentes em diálogos/monólogos do que em narrações de eventos, não me parece uma tarefa nada fácil. Mas Gianni De Luca, que conta com a colaboração de Sigma, pseudónimo de Raoul Traverso na adaptação do argumento, é bem sucedido a dar a volta à questão com um estilo muito próprio que consegue, de forma incrível e inovadora, dar ação visual a cenas em que, supostamente, teríamos uma personagem estática a conversar. Mas já lá irei.

Dando uma tão breve quanto possível nota sobre cada uma das histórias aqui presentes, posso dizer-vos que Hamlet me parece a história mais sombria e introspectiva do volume. Aqui a tragédia do príncipe da Dinamarca mantém intactos os seus grandes temas: a dúvida, a culpa, a corrupção do poder e o desejo de vingança. E o famoso dilema existencial de Hamlet - "ser ou não ser, eis a questão" - encontra em De Luca um intérprete visual particularmente inspirado, pois em vez de depender apenas do texto, o autor utiliza a movimentação das figuras, a composição dos espaços e a encenação das cenas para expressar os estados de espírito da personagem. 

Em Romeu e Julieta, embora essa utilização da movimentação das personagens se mantenha -e atinja até mesmo um cume, face às restantes histórias -, o tom muda radicalmente. Aqui, a narrativa privilegia o romance, a paixão e a tragédia inevitável dos jovens amantes de Verona. Gianni De Luca representa com grande elegância tanto os momentos de intimidade como as cenas de conflito entre as famílias rivais, criando um equilíbrio eficaz entre lirismo e dramatismo.

A Tempestade, por sua vez, introduz uma atmosfera mais fantástica e alegórica. A peça acompanha Próspero, legítimo duque de Milão, exilado numa ilha em que há forças mágicas, espíritos, ilusões e naufrágios. É aqui que encontramos a história mais clássica de banda desenhada, em termos de planificação, embora, não obstante, já se sinta um domínio da ação e da planificação da história.

Assim sendo, a verdadeira grandeza deste Trilogia Shakespeariana não reside apenas nas adaptações literárias em si. O elemento mais revolucionário do livro é mesmo o seu aspecto visual. Gianni De Luca rompe deliberadamente com a estrutura tradicional da banda desenhada baseada em vinhetas sucessivas. Em vez disso, desenvolve páginas organizadas como grandes espaços cénicos contínuos, onde as personagens aparecem várias vezes ao longo do mesmo cenário. 

Esta solução gráfica transforma a página num palco teatral. E acaba por tornar as peças de teatro originais menos aborrecidas - ou mais facilmente apreendidas - pois permite à narrativa ter uma fluidez e uma dinâmica que mantém os leitores atentos ao desenrolar da história. A passagem do tempo deixa de ser representada pela fragmentação da ação em vinhetas separadas e passa a ser sugerida pelo deslocamento das figuras no espaço. Assim, o leitor observa simultaneamente diferentes momentos da narrativa, acompanhando os trajetos das personagens quase como se estivesse perante uma representação ao vivo.

Esta inovação foi tão marcante que acabou por ficar associada ao chamado "Efeito De Luca", uma abordagem que influenciou numerosos autores posteriores. É algo que, de vez em quando, ainda conseguimos ver em algumas bandas desenhadas da atualidade, mas em 1975, quando esta obra começou a ser publicada, era algo verdadeiramente inovador.

O domínio do espaço, da composição e do ritmo visual de Gianni de Luca é verdadeiramente incrível. Se querem que vos seja sincero, e olhando para a obra à luz dos dias atuais, talvez o autor abuse um pouco desta forma de contar a história. Admito que consideraria a leitura mais equilibrada se esta técnica não fosse constantemente utilizada, prancha após prancha. Pois ao querer tornar-se a história menos aborrecida com uma planificação mais dinâmica, acaba por, ironicamente, se tornar também a história aborrecida pela presença sempre constante dessa planificação mais dinâmica. Parece-me que se esta técnica fosse utilizada com maior gestão, toda a história ganharia. Mas imagino que assim que o autor chegou a este nível, não mais quis parar. E reitero, claro, que é impossível não ficar abismado com a forma incrível, detalhada e original como Gianni de Luca nos mergulha nas suas histórias. E só por isso, considero este como um dos grandes lançamentos de banda desenhada clássica do ano em Portugal. Ler esta obra acaba por ser semelhante a ter-se uma masterclass sobre banda desenhada e sobre sequencialidade.

Além da inovação narrativa, devo ainda mencionar a bela qualidade do desenho. A linha de De Luca é elegante, precisa, limpa e expressiva. Os cenários são detalhados sem se tornarem excessivamente pesados, enquanto as figuras humanas comunicam emoções com grande naturalidade. 

A edição da obra é em tudo semelhante aos livros presentes na Coleção de Novelas Gráficas da Levoir. O livro tem capa dura baça, bom papel baço no interior, boa encadernação e boa impressão. Até tem, junto à lombada, a referência a "Novela Gráfica", numa tira de cor preta, o que é a imagem de marca da emblemática coleção da Levoir. De resto, há ainda um interessante texto introdutório de Pedro Moura e, no final, encontramos estudos e versões finais das capas originais dos álbuns e uma ilustração dedicada a Dante Alighieri.

Em conclusão, Trilogia Shakespeariana é uma obra fundamental para compreender a evolução da banda desenhada europeia. As adaptações de Hamlet, Romeu e Julieta e A Tempestade demonstram um profundo respeito pelo legado de Shakespeare, enquanto a extraordinária experimentação gráfica de Gianni De Luca é verdadeiramente impressionante, tendo redefinido os limites da narrativa visual. O resultado é um clássico intemporal que continua a impressionar leitores, estudiosos e autores, afirmando-se como uma obra que cada amante de banda desenhada deve conhecer.

NOTA FINAL (1/10):

8.8

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Ficha técnica

Trilogia Shakespeariana

Autor: Gianni De Luca

Adaptado a partir da obra original de: William Shakespeare

Editoras: Levoir e A Seita

Páginas: 144, a preto e branco

Encadernação: Capa dura

Formato: 195 x 270 mm

Lançamento: Março de 2026

Análise: A Solidão do Ser

A Solidão do Ser, de Helena Sá

Foi de um modo algo surpreendente que tomei conhecimento que, em primeiro lugar, havia o Prémio Revelação Maia BD - iniciativa que, pela sua relevância e potencial, aplaudo - e que, em segundo lugar, a edição de 2026 tinha sido ganha pela autora Helena Sá, que se estreou no universo da banda desenhada com este A Solidão do Ser, que hoje vos trago.

Esta é uma obra pequena na extensão, com menos de 40 páginas de BD, mas surpreendentemente vasta pela quantidade de coisas em que nos deixa a pensar. Não existe aqui uma história complexa, nem grandes acontecimentos, nem sequer uma preocupação em construir uma progressão dramática convencional, mas o que encontramos é, por sua vez, uma reflexão ilustrada sobre a condição humana, sobre o modo como (co)existimos e sobre a forma como, tantas vezes, atravessamos os dias sem verdadeiramente os habitar.

Helena Sá apresenta-se aos leitores de uma forma algo silenciosa e tímida, mas ao mesmo tempo demonstrando segurança. Quer no texto, quer nas ilustrações. Há aqui uma delicadeza evidente, mas também uma convicção muito clara acerca daquilo que se pretende comunicar, sem que seja necessário à autora levantar a sua "voz para se fazer ouvir". Ao invés, a autora aparenta preferir sussurrar com os leitores. E é precisamente por isso que a sua mensagem acaba por permanecer connosco durante mais tempo.

A Solidão do Ser traz-nos alguns avisos, algumas chamadas de atenção. Numa vida em que somos corpos fechados dentro de ilhas que pouco ou nada interagem com os outros - com as outras "ilhas" - este é um livro que traz consigo um alerta sobre o significado do ser, do querer e do estar. Ao longo das páginas, Helena Sá convida-nos a observar os espaços que ocupamos, as rotinas que repetimos e os vazios que muitas vezes transportamos sem deles termos plena consciência. É uma obra que fala da vida contemporânea sem nunca precisar de nomear diretamente os seus males. E é natural que todos nós, sejamos um(a) jovem de 16 anos ou um(a) idoso(a) de 86 anos, consigamos encontrar no protagonista deste livro mais pontos de contacto do que aquilo que gostaríamos de admitir.

Existe aqui uma reflexão muito pertinente sobre a forma como vivemos os nossos dias. Sobre a velocidade com que atravessamos o quotidiano, sobre a tendência para habitar mais os pensamentos do que os lugares físicos e sobre a dificuldade crescente em estarmos verdadeiramente presentes e conectados. É um livro que nos recorda que a existência não se resume ao simples ato de passar pelo tempo.

Ao mesmo tempo, a autora parece sugerir que precisamos desesperadamente de cor nas nossas vidas cinzentas. E não apenas enquanto elemento visual - embora o mesmo seja elaborado de forma bem sucedida -, mas como metáfora para tudo aquilo que confere significado à vida: a emoção, a ligação aos outros, a criatividade, a capacidade de sonhar e de encontrar beleza nos pequenos momentos.

Uma das características que importa mencionar é a rara economia no texto que existe neste A Solidão do Ser, em que as frases surgem simples, diretas e despojadas de grandes artifícios. Contudo, por detrás dessa simplicidade existe uma notável inteligência emocional. São frases que parecem leves no momento da leitura, mas que regressam mais tarde à memória, obrigando-nos a revisitá-las.

É verdade que, por vezes, senti que o texto, mesmo sendo inspirado e, como diriam os ingleses spot on, me pareceu algo curto, ou que as ideias nele presentes poderiam ser mais (bem) desenvolvidas. Mas isso não belisca em nada a ideia e conceito presente na narrativa. Além disso, Helena Sá demonstra que não são necessárias muitas palavras para transmitir pensamentos profundos.

Aliás, para uma autora na fase inicial do seu percurso na banda desenhada, a maturidade revelada neste livro é assinalável. Existe uma consciência muito clara do impacto que cada palavra pode ter e uma capacidade invulgar para condensar emoções complexas em poucas linhas. 

Visualmente, o livro é igualmente muito interessante. O traço da autora revela elegância, sensibilidade e personalidade própria. Existe uma fluidez muito agradável no desenho, acompanhada por uma simplicidade gráfica que nunca resvala para a pobreza visual. Pelo contrário, tudo parece cuidadosamente pensado para servir a mensagem da obra.

O jogo cromático entre os tons de cinzento, preto e branco e a presença pontual do amarelo constitui mais um dos elementos bem conseguidos do livro. Essa utilização seletiva da cor funciona quase como uma linguagem paralela à do texto, ajudando, tal como já referi, a reforçar emoções, ideias e o estado de espírito do protagonista. O amarelo surge como uma espécie de brecha luminosa no interior de um mundo frequentemente dominado pela monotonia e pela introspeção.

Também as soluções de planificação demonstram criatividade e confiança. Helena Sá não se limita a repetir a mesma estrutura de página ao longo do livro. Na verdade, até experimenta diferentes composições visuais e diferentes formas de organizar a informação gráfica. Como resultado, encontramos várias pranchas muito bem conseguidas e memoráveis.

Também em termos de edição, o trabalho conjunto das editoras A Seita e Turbina revela-se singular. O livro apresenta uma espessa capa dura (mesmo em sólido cartão) e a lombada está nua, revelando as próprias costuras entre os vários cadernos que compõem o livro. Não é uma opção muito frequente em banda desenhada editada em Portugal - assim, de cabeça, apenas me lembro da editora Levoir ter apostado nesta opção com o seu livro A Ilha - e, só por isso, revela-se uma escolha bem-vinda. Mesmo sem me considerar um "fanático das lombadas" confesso que me faz confusão que não haja qualquer informação na lombada. Não por uma questão de "ficar bem na estante", mas por uma questão de informação. Para aqueles que, como eu, têm muita banda desenhada, um livro sem texto na lombada pode ser menos relembrado se não se fizer notar pelo título na lombada. Mas, enfim, isto é uma opinião muito pessoal que não põe em causa minimamente o trabalho diferenciado e bem conseguido da edição deste A Solidão do Ser.

Além disto, no miolo, o livro apresenta bom papel baço, boa encadernação, boa impressão e um breve caderno de extras onde podemos ter acesso a estudos de personagem, estudos de página e uma breve biografia da autora.

Em suma, e depois de se ler A Solidão do Ser, torna-se fácil compreender o porquê de Helena Sá já ter recebido um prémio de banda desenhada com este livro. Eis uma obra que impressiona especialmente pela honestidade, pela sensibilidade e pela inteligência com que aborda temas universais. É um livro pequeno, discreto e profundamente humano. Daqueles que não procuram impressionar o leitor à força, mas que acabam por permanecer na memória precisamente pela serenidade com que nos convidam a olhar para nós próprios. Aliás, é bem possível que, pelo menos dentro da categoria de Prémio Revelação, sejam vários os prémios que a obra venha a arrecadar durante este e o próximo ano.

NOTA FINAL (1/10):

8.5

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Ficha técnica

A Solidão do Ser

Autora: Helena Sá

Editoras: A Seita e Turbina

Páginas: 56, a preto e branco (com algumas cores)

Encadernação: Capa dura em cartão com lombada cozida

Formato: 171 x 240 mm

Lançamento: Maio de 2026

Análise: Venom - Preto, Branco & Sangue

Venom - Preto, Branco & Sangue, de Vários Autores

Foi no mês passado que a editora G. Floy Studio lançou o seu primeiro(!) e único livro neste ano de 2026, o que é clara prova da cada vez maior inatividade da editora em Portugal. Isso deixa-me especialmente triste, pois a editora tem um conjunto extremamente relevante de belas obras que foi lançando por cá, tornando-se uma referência editorial. Como tal, a sua inatividade não pode ser uma boa notícia para os amantes de BD. Faço, por isso, votos para que esta seja apenas uma fase da editora e que a mesma possa regressar em grande. A ver vamos...

A obra em questão é o novo volume da série Preto, Branco & Sangue que desta vez é dedicado à personagem de Venom. Esta é, aliás, uma série que, aquando do seu aparecimento, parecia trazer uma lufada de ar fresco ao universo dos super-heróis. A ideia era simples, mas eficaz: reunir vários autores em histórias curtas, restritas a uma paleta cromática assente no preto, branco e vermelho, e permitindo abordagens mais livres, experimentais e visualmente marcantes. Numa fase inicial, especialmente com os dois primeiros livros dedicados a Wolverine e a Carnificina, esta fórmula revelou-se, quanto a mim, bastante apelativa. Contudo, à medida que os volumes se vão multiplicando - e já são oito, no total - começa também a tornar-se evidente que a novidade e a frescura do conceito já não detém o mesmo impacto. Parece uma premissa bastante "reciclada".

Neste volume dedicado a Venom, encontramos um conjunto de histórias independentes protagonizadas pelo simbionte mais popular da Marvel. Tal como acontece nos restantes títulos da coleção, o livro aposta numa estrutura antológica, reunindo diferentes equipas criativas que exploram facetas distintas da personagem em 12 histórias curtas. O resultado é inevitavelmente desigual - como é habitual em antologias - mas também suficientemente diversificado entre si.

Um dos principais méritos do livro reside precisamente nessa liberdade criativa, pois permite que, aqui e ali, possamos ser surpreendidos. Quer em termos narrativos, quer em termos visuais. Ao não estarem condicionados pela continuidade regular das séries mensais, os autores podem experimentar conceitos mais invulgares, explorarando cenários alternativos ou simplesmente contando pequenas histórias autocontidas sem grandes consequências para o universo Marvel. Essa liberdade narrativa acaba por favorecer algumas das melhores histórias do volume, como Doce Será a Flor, de Ryan North, Creees Lee e Andres Mossa; Relação Tóxica, de Carl Pott e Damian Couceiro; ou Luzinha, de Chris Bachalo e Jaime Mendoza. O conjunto de autores que participam nesta antologia volta a ser constituído por alguns autores menos conhecidos e outros de maior renome, como, por exemplo, J.M. DeMatteis, Al Ewing ou Erik Larsen.

Ainda assim, também é verdade que essa estrutura mais livres gera inevitavelmente oscilações de qualidade. É verdade que algumas histórias revelam ideias interessantes e conseguem explorar eficazmente o lado monstruoso, violento e até trágico de Venom, mas outras, pelo contrário, parecem exercícios relativamente superficiais, baseados mais numa premissa visual forte do que numa verdadeira substância narrativa.

Sim, porque em termos visuais, este volta a ser um livro muito bem executado, tal como os outros da série. Vê-se que cada ilustrador se aplicou bastante na feitura da sua história. Talvez por esse motivo, já por mim mencionado, do formato curto lhes permitir arriscar em soluções que dificilmente encontrariam espaço numa série regular de longa duração.

Mesmo assim, a fragilidade deste livro, tal como dos mais recentes desta série, é que nem mesmo a excelência gráfica consegue esconder totalmente a sensação de repetição que começa a afetar esta linha editorial. E aquilo que inicialmente parecia um laboratório criativo cheio de potencial tem-se transformado, em certa medida, numa fórmula reconhecível e até algo previsível.

Quanto à edição da G. Floy Studio, a mesma mantém-se irrepreensível. O livro apresenta capa dura baça, bom papel brilhante no interior, boa encadernação e boa impressão. No final, há ainda um conjunto de 14 capas alternativas, todas elas muito impressionantes do ponto de vista do desenho e do conceito gráfico.

Em suma, Venom - Preto, Branco e Sangue permanece uma leitura competente e globalmente satisfatória. Tem algumas histórias interessantes, alguns momentos visuais impressionantes e demonstrações cativantes da versatilidade da personagem. Contudo, este livro também reforça a ideia de que esta coleção começa a evidenciar um certo desgaste conceptual. Continua a ser uma boa plataforma para experimentações narrativas e gráficas, sim, mas o efeito de novidade dissipou-se há alguns volumes atrás. 

NOTA FINAL (1/10):

7.0

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Ficha técnica

Venom - Preto, Branco & Sangue

Autores: Vários

Editora: G. Floy Studio

Páginas: 152, a cores

Encadernação: Capa dura

Formato: 18 x 27,5 cm

Lançamento: Julho de 2026